Искусство за сотни миллионов: 10 самых дорогих картин в истории  (24)

Сумма, за котору картина была продана, не только оставила далеко позади все предыдущие рекорды, но и сделала полотоно ван Гога, созданное в желтых красках, рекордсменом эпохи модерн.

До 1987 года обладателями рекордов, как правило, были шедевры старых мастеров мировой живописи, датированные, главным образом, до 1850 года. Однако с середины 80-х годов списки лидеров самых дорогих проданных картин возглавили полотна, созданные в последние 100-130 лет.

В первой тройке авторов самых дорогих картин — Винсент ван Гог, Пабло Пикассо и Энди Уорхол. Двое последних стали знаменитыми и богатыми еще при жизни, тогда как ван Гог известность приобрел уже после смерти. Тут стоит помнить, что что наиболее известные мировые шедевры, например, "Мона Лиза" ("Джоконда") Леонардо да Винчи, продаются редко: они являются собственностью музеев.

Ниже — десятка произведений искусства, которые были проданы за рекордные суммы в истории через аукционные дома или в частном порядке. Важно отметить, что из всего списка только одна картина была написана по времени раньше, чем упомянутая выше "Ваза с 15 подсолнухами" ван Гога, остальные — это шедевры эпохи модерн. Указанная сумма (в долларах) соответствует стоимости картины на момент ее покупки, а в евро указана ее нынешняя стоимость с учетом инфляции.

Французский художник постимрессионизма лучше всего известен картинами, где показаны будни острова Таити. В 1892 году он на картине "Когда ты выйдешь замуж?" изобразил двух таитянок: одна из них одета в традиционный наряд острова, другая — в вечернее платье.

Поль Гоген (1848—1903) — французский живописец, скульптор-керамист и график. Наряду с Сезанном и ван Гогом был крупнейшим представителем постимпрессионизма. В начале 1870-х начал заниматься живописью как любитель. Ранние работы Гогена можно отнести к импрессионизму, позже он переходит к клуазонизму и синтетизму, с 1883 года — профессиональный художник. Однако работы Гогена не находили спроса, художник был беден, сообщает Википедия.

Испытывая с детства тягу к экзотическим местам и считая цивилизацию "болезнью", Гоген, жаждущий "слиться с природой", в 1891 году уезжает на Таити, где в 1892 году пишет 80 полотен. После кратковременного возвращения во Францию, из-за болезни и отсутствия средств он навсегда уезжает в Океанию — сначала на Таити, а с 1901 года — на остров Хива-Оа (Маркизские острова). Там он берет себе в жены молодую таитянку и работает в полную силу: пишет пейзажи, рассказы, работает журналистом. На этом острове художник и умирает.

Несмотря на болезни (в том числе проказу), бедность и депрессию, приведшую его к попытке самоубийства, лучшие свои работы Гоген написал именно на Таити. Наблюдение над реальной жизнью и бытом народов Океании сплетаются в них с местными мифами. В самых своих знаменитых таитянских полотнах он чаще всего использует очень яркие, чистые, иногда даже неестественные цвета. Героинями его картин становятся полуобнаженные туземные девушки в окружении деревенских хижин и тропических пейзажей. Как и ван Гог, Гоген был признан выдающимся художником только после смерти.

Самые известные картины Поля Гогена: "Когда свадьба?", "Женщина с цветком", "Женщина, держащая плод", "Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?", "Дух мертвых не дремлет", "Желтый Христос", "Куда ты идешь?".

Виллем де Кунинг (1904—1997) — американский художник голландского происхождения, считается одним из основателей абстрактного экспрессионизма. Ведущий художник и скульптор второй половины XX века.

Уроженец Роттердама, в 1926 нелегально выехал в США, в течение последующих 70 лет жил и работал в Нью-Йорке. Стал одним из ведущих лиц в в группе художников, которая известна как нью-йоркская школа. В 1950-е де Кунинг идет по пути примитивизации, разрабатывает так называемые "фигуративные абстракции". Одинокая женская фигура под действием неистовых, пастозных "мазков-ударов" на холстах де Кунинга превращается в некий живописный тотем, открытый для радикальных фрейдистских прочтений.

Со временем полотна де Кунинга наполняются пейзажными мотивами, становятся все менее предметными. Тяготение к нарочитой декоративности преобладает в работах его позднего периода, осложненного алкоголизмом и болезнью Альцгеймера.

Добился признания еще при жизни, организовывал персональные выставки в музеях и галереях США. В XXI веке картины де Кунинга стали продаваться за рекордные суммы. Несмотря на неоднозначный характер творчества, он стал первым художником, удостоенным Императорской премии.

Художник работал в самых разнообразных техниках, начиная от гравюр и заканчивая проектами муралов, постоянно экспериментировал с материалами. Наибольшим вкладом в американскую живопись считаются произведения де Кунинга, написанные в стиле абстрактного экспрессионизма, а также серия "Женщины".

Самые известные картины Виллема де Кунинга: "Женщина I", "Женщина III", "Обмен", "Полицейская газета", "Дверь к реке".

Поль Сезанн (1839—1906) — французский художник-живописец, яркий представитель постимпрессионизма. Художественное наследие Сезанна составляет более 800 работ маслом, не считая акварелей и других произведений. Никто не может подсчитать количества работ, уничтоженных, как несовершенные, самим художником за годы своего творческого пути. Признание получил за 2 года до смерти, когда в 1904 году в Париже прошла его выставка.

В своем творчестве художник попытался примирить классику и современность, природу, законы большого стиля и право на индивидуальный выбор. Задача, которую ставил перед собой Сезанн, была в принципе невыполнимой, что и предопределило постоянные сомнения художника.

Сезанн хотел, чтобы его модели были такими же неподвижными, как яблоки, и мечтал когда-нибудь удивить весь Париж яблоком. Главной задачей Сезанн всегда считал постичь суть формы предмета — делать это гораздо надежней и эффективней, когда предмет не отвлекает художника суетливостью и сменой позы. Предметный мир на картинах художника — живой. Его яблоки, персики, кувшины — вещи с душой и внутренним сиянием.

Ранние работы художника отличает насыщенная, темная палитра. Она светлеет, когда Сезанн начинает работать рядом с импрессионистом Камилем Писсарро. А увлечение акварелью в последние годы жизни превращает и его масляную живопись в полупрозрачную, сообщает artchive.ru.

Самые известные картины Поля Сезанна: "Игроки в карты", "Большие купальщицы", "Гора Сент-Виктуар", "Натюрморт с яблоками и апельсинами", "Мужчина с трубкой", "Натюрморт с гипсовым купидоном".

Пол Джексон Поллок (1912—1956) — американский художник, идеолог и лидер абстрактного экспрессионизма, оказавший значительное влияние на искусство второй половины XX века. В 1947-м изобрел новую технику: начал работать на холстах огромного размера, расстилая их прямо на полу, и разбрызгивать краску с кистей, не прикасаясь ими к поверхности. Впоследствии такую технику стали называть капанием или разбрызгиванием, хотя сам художник предпочитал термин льющаяся техника. Именно из-за этого он получает кличку Джек Разбрызгиватель (Jack the Dripper).

Первая выставка работ Поллока в Галерее Бетти Парсонс в 1948 была сенсацией и имела финансовый успех. Поллок смог обзавестись мастерской и там создал в 1950 году серию из шести работ, впоследствии ставших наиболее известными.

Всю жизнь боровшийся с алкоголизмом, Поллок погиб в автокатастрофе, ведя машину в нетрезвом состоянии, в Спрингсе, 11 августа 1956 в возрасте 44 лет. Один из пассажиров скончался на месте, девушка Поллока — любовница и художница Рут Клигман — выжила.

После его трагической смерти галерея Поллока продала все его работы, оставшиеся в студии, включая и те, которые были неготовы. Работа "Выгляди как обезьяна" 1952 года была продана в 1973 за два миллиона долларов, в то время это была рекордно высокая цена за произведение современного искусства.

Самые известные картины Джексона Поллока: "Номер 5", "Осенний ритм", "Фреска", "Глубина", "Синие столбы".

Годами Бувье мечтал приобрести "№ 6 (фиолетовый, зеленый и красный)" — абстрактную картину, нарисованную Ротко в 1951 году во время работы в Бруклинском колледже. Картина эта была на обложке систематического каталога, который содержал все работы Ротко, и десятилетиями принадлежала династии французских виноделов Муэкс. Однажды Рыболовлев увидел ее в каталоге и сказал Бувье, что он отдал бы все ради этой картины. Бувье годами окучивал семью Муэкс, покупая их вино и менее ценные работы из коллекции, надеясь однажды заполучить Ротко.

В начале 2014 Бувье узнал, что Муэксы раздумывают о продаже картины. За несколько лет до этого он посетил семейное шато в Бордо, чтобы посмотреть на картину в гостиной. В начале 1950-х Ротко начал экспериментировать с порошковыми красителями, растворителями и желтками, чтобы добавить насыщенности цветам своих холстов. Он хотел, чтобы зрители его картин чувствовали себя внутри этих картин. Семья Муэкс согласилась продать картину за 80 млн долларов, тогда как Бувье продал ее Рыболовлеву за 189 млн долларов.

Марк Ротко (Маркус Яковлевич Роткович) (1903-1970) родился в Двинске Витебской губернии России (сейчас Даугавпилс в Латвии). В 10 лет вместе с семьей эмигрировал в США, опасаясь погромов евреев. В Америке он стал одним из самых известных и влиятельных художников второй половины XX века, ключевой фигурой абстрактного экспрессионизма и одним из самых дорогих художников в мире.

В 2007 году его работа "Белый центр" была продана на аукционе Sotheby's за рекордные по тем временам 72,8 млн долларов. Другая картина — "Оранжевое, красное, желтое" — в 2012-м была продана на аукционе Christie’s за 86,9 млн долларов и стала самым дорогим произведением художника. В мае 2015 года картина "Без названия (Желтое и голубое)", ушедшая с молотка за 46,5 млн долларов, возглавила торги Sotheby’s.

Ротко была интересна связь детского рисунка с работами зрелых современных художников. По его мнению, академическая школа начинается с рисунка, а модернисты, в том числе он сам, начинают работу с цвета. Его целью было эмоционально выразить внутреннее ощущение формы без вмешательства разума. В этот период предмет и форма в работах Ротко окончательно потеряли смысловую нагрузку.

В 1938 году он обратился за американским гражданством, с 1940-го начал работать под творческим псевдонимом Марк Ротко. К началу 1950-х еще более упростил структуру своих картин. В последние годы Ротко писал абстрактные работы в насыщенных черных тонах. По мнению критиков, венцом творчества художника стали 14 картин, написанных для часовни в Хьюстоне.

"Мне не интересны сочетания цветов и соотношения форм. На моих холстах изображены основные человеческие эмоции: трагедия, экстаз, печаль, грусть. Если вас тронуло только сочетание цветов, то вы меня абсолютно не поняли", — говорил он.

В 1968 году у художника обнаружили артериальную аневризму и рекомендовали здоровый образ жизни. Но Ротко игнорировал все советы, у него испортились отношения с женой, он переехал жить в свою мастерскую. Цветовая гамма на холстах этого периода — черно-серо-белая, мрачная и тусклая. В 1970-м, в возрасте 67 лет, Марк Ротко покончил с собой. В 2007 году в Даугавпилсе решили основать центр в его честь.

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606—1669) — великий голландский художник, рисовальщик и гравер, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи. Воплотил в своих произведениях весь спектр человеческих переживаний с такой эмоциональной насыщенностью, которой до него не знало изобразительное искусство. Работы Рембрандта, разнообразные по жанровой принадлежности, открывают зрителю вневременной духовный мир человеческих переживаний и чувств.

С 1640-х в творчестве Рембрандта, особенно в картинах на религиозные темы, значение приобретает светотень, создающая напряженную эмоциональную атмосферу. Художника интересует потаенная суть явлений, сложный внутренний мир изображаемых людей. Его последние работы поражают отточенностью мастерства. На последних автопортретах Рембрандта, ставших вершиной его не имеющей аналогов портретной галереи, перед зрителем предстает человек, стоически переносящий тяжелые испытания и горечь утрат.

Творческое наследие Рембрандт: около 600 живописных полотен, почти 300 офортов и 1400 рисунков. Оно повлияло и на развитие мирового искусства в целом, хотя было оценено по достоинству спустя многие годы. Рембрандт создал замечательные произведения почти во всех жанрах, пользовался разнообразной техникой письма (живопись, рисунок, офорт).

Рембрандт оставил огромное живописное наследие, создавая картины на библейские, исторические, мифологические и бытовые темы, портреты и пейзажи, был великим мастером гравюры и офорта. Его фигура — в одном ряду с самыми крупными представителями мирового искусства.

Во второй раз "Версия O" была выставлена на аукционе Christie’s в Нью-Йорке в мае 2015 года. Предпродажная оценка картины составила 140 млн долларов. В итоге 179,3 млн долларов (160,7 млн евро) за нее выложил бывший премьер-министр Катара Хамад бен Джасим бен Джабер Аль Тани.

"Версия О" — последняя и самая знаменитая из 15 картин серии "Алжирские женщины". Как предполагается, на ней Пикассо изобразил свою любимую — французскую артистку Мари Франсуазу Жило. Сздание серии было вдохновлено полотном 1834 года французского живописца Эжена Делакруа "Алжирские женщины в своих покоях". Серия является частью ряда работ Пикассо, посвященных творчеству художников, которыми он восхищался.

Вся серия Алжирских женщин была приобретена Виктором и Салли Ганцами из Галереи Луизы Лерис в Париже за 212 500 долларов в 1956 году. 10 картин и рисунков из серии позднее были проданы Галерее Сайденберг, Ганцы сохранили за собой версии "C", "H", "K", "M" и "O". Ныне картины и рисунки серии хранятся в различных музеях и частных коллекциях.

Пабло Пикассо (1881-1973) — испанский художник, скульптор, график, театральный художник, керамист и дизайнер. Он родился в Испании, но большую часть жизни прожил во Франции, из-за чего его часто называют французским художником. Основоположник кубизма, в котором трехмерное тело в оригинальной манере рисовалось как ряд совмещенных воедино плоскостей. Вызвал к жизни массу подражателей и оказал влияние на развитие изобразительного искусства в XX веке. Определенную известность Пикассо принесли не только его работы, но и многочисленные романы.

Его творчество принято делить на несколько основных периодов: ранние годы, "голубой", "розовый", "африканский", кубистический (аналитический кубизм и синтетический), неоклассический и сюрреалистический периоды и поздние годы. Отправной точкой, положившей начало кубистического периода, считается картина "Авиньонские девицы". Сам же Пикассо говорил, что стал кубистом под влиянием полотен Поля Сезанна.

Согласно оценке Музея современного искусства (Нью-Йорк), Пикассо за свою жизнь создал около 20 тысяч работ. По экспертным оценкам, Пикассо — самый "дорогой" художник в мире: в 2008 году объем только официальных продаж его работ составил 262 млн долларов. Его полотна занимают первое место и по "популярности" среди похитителей.

Самые известные картины Пабло Пикассо: "Герника", "Авиньонские девицы", "Семья комедиантов", "Любительница абсента", "Девочка на шаре", "Портрет Амбруаза Воллара", "Дора Маар с кошкой", "Жаклин с цветами".

Страстная "Лежащая обнаженная" является одной из самых известных и тиражированных картин итальянского экспрессиониста, которая часто фигурировала в литературе и кино. При жизни работы Модильяни не имели успеха и стали популярными лишь после смерти художника. Если 10–15 лет его картины продавались за 5–10 млн долларов, то сегодня цена на яркого представителя экспрессионизма подскочила в 10 раз. Одна из причин такой стоимости — короткая жизнь. В отличие от того же Пикассо, который продолжал работать до 91 года, имевший слабое здоровье Модильяни умер в 35 лет от туберкулезного менингита и создал всего 350 работ.

Амадео Клименте Модильяни (1884—1920) — итальянский художник и скульптор, представитель экспрессионизма. Наследие Модильяни составляют главным образом картины и эскизы. Основным мотивом Модильяни являлся человек. Помимо этого, сохранились несколько пейзажей.

Часто Модильяни обращался к произведениям представителей Ренессанса и к африканскому искусству. Творчество Модильяни нельзя отнести ни к одному из современных направлений того времени, как например, кубизм или фовизм. Искусствоведы рассматривают творчество Модильяни отдельно от основных течений того времени.

Модильяни считается певцом красоты обнаженного женского тела. Одним из первых начал изображать ню более реалистично в эмоциональном плане. Именно это обстоятельство в свое время привело к быстрому закрытию его первой персональной выставки в Париже.

Обнаженная натура в творчестве Модильяни — это не абстрактные, рафинированные образы, а реальные портретные изображения. Техника и теплая световая гамма в картинах Модильяни "оживляет" его полотна. Картины Амедео, выполненные в жанре ню, считаются жемчужиной его творческого наследия. Особенности творчества художника: виртуозное сочетание линии и объема; "скульптурные" тела и лица; ню, сочетающие чувственность, эротизм и некоторую отрешенность, дистанцию; плоские лица; закрашенные, без зрачков глаза моделей; двухмерное изображение; удлиненные головы персонажей, длинные шеи.

Самые известные картины Амедео Модильяни: изображение Анны Ахматовой, многочисленные "Обнаженные", "Портрет Жанны Эбютерн".

Впервые на аукционе картина была выставлена в 1997 году за 48,4 млн долларов. В 2006-м "Сон" вновь выставили на продажу, речь шла о цене в 139 млн долларов, однако владелец картины, жестикулируя, прорвал холст локтем. Картина была отреставрирована, и артрынок несколько лет ожидал нового ценового рекорда. В 2013-м прежний претендент на картину все же купил ее частным образом после реставрации.

В 1930 году Пикассо купил замок Буажелу (в 63 км от Парижа), где в течение нескольких лет им были написаны знаменитые образы Марии-Терезы в период сюрреализма (1925-1937).

Le Rêve — Сон, или Мечта — один из самых знаменитых шедевров Пикассо периода "большой эротики". Округлые формы и плавные упругие линии — характерная пластика портретов Марии-Терезы, так он больше не рисовал ни одну женщину. Картина была написана в течение одного дня. Его пленительной натурщице в это время — 22 года, они с Пикассо уже около 5 лет вместе. Он работает в Буажелу, она тайно приезжает к нему в замок на велосипеде.

Пикассо и Вальтер будут вместе еще несколько лет, она родит ему дочь, и даже после расставания они будут поддерживать отношения долгие годы. Мария-Тереза часто писала ему письма, после него она так и не захочет быть ни с кем другим. Через 4 года после смерти художника женщина добровольно уйдет из жизни.

В ноябре 2013 года на торгах Christie's в Лондоне был продан триптих Фрэнсиса Бэкона "Три наброска к портрету Люсьена Фрейда". Триптих, созданный британским экспрессионистом в 1969 году, выставлялся на аукционе впервые.

Торги продолжались шесть минут: картину за 142,4 млн долларов (132,6 млн евро) приобрела жена владельца казино в Лас-Вегасе Элейн Уинн. Картина стала на тот момент самым дорогим произведением искусства, когда-либо проданным на аукционе. Ранее самой дорогой картиной, проданной с торгов, была работа Эдварда Мунка "Крик" (в 2012-м ушла с молотка за 119,9 млн долларов).

Картина была написана Бэконом в 1969 году в лондонском Королевском колледже искусств после того, как студия Бэкона сгорела в результате пожара. На каждом полотне изображена искаженная фигура британского художника Люсьеан Фрейда, сидящая на тростниковом стуле и заключенная в геометрическую призму-клетку. Цветовая гамма здесь ярче, чем в других картинах художника. Бэкон и Фрейд познакомились в 1945 году и стали близкими друзьями. Они несколько раз позировали друг для друга.

Триптих "Три наброска к портрету Люсьена Фрейда" впервые экспонировался в 1970 году в Турине, после ретроспективной выставки художника в 1971-1972 годах в Париже был разделен на отдельные панели. С середины 1970-х составные части экспонировались раздельно, чем Бэкон был очень опечален. В 1999 году объединенный триптих был показан на выставке в Нью-Хейвене (США).

Фрэнсис Бэкон (1909-1992) — английский художник-экспрессионист, мастер фигуративной живописи, поднимавший в своих произведениях темы отчуждения от религии и смерти. Отсутствие систематизированного художественного образования позволило будущему живописцу активно экспериментировать с самыми разными стилями, что впоследствии отразилось в его картинах.

Основной темой его работ является человеческое тело — искаженное, вытянутое, заключенное в геометрические фигуры, на лишенном предметов фоне. Именно таким видит человека художник — измученным, одиноким, запертым в клетку плоти, правил, ограничений.

Бэкон отдавал предпочтение триптихам, также он писал серии картин, посвященные определенной теме. Сохранилось 28 триптихов разных размеров, а несколько других было уничтожено самим Бэконом: он очень критично подходил к своим работам.

Самые известные картины Фрэнсиса Бэкона: "Кричащие Папы" (серия картин), "Три этюда фигур у подножия распятия" (триптих), "Ван Гог — Вариации", "Две фигуры в комнате", "Черный триптих", "Этюд к автопортрету" (триптих).